Matchess

Da più di un decennio Whitney Johnson attraversa la scena musicale underground di Chicago. Nata come musicista classica, è stata attratta presto dal punk e dalla psichedelia, andando a collaborare con moltissime realtà sia rock e psichedeliche (Ryley Walker, Bitchin Bajas, Oozing Wound, Circuit Des Yeux) che sperimentali (Verma, Simulation, Damiana). Ha lavorato con minimalisti come La Monte Young e Marian Zazeela e, parallelamente alla musica, ha intrapreso un cammino di impegno universitario e sociale che l'ha portata a gestire programmi di alfabetizzazione, lavorare con rifugiati e a prendere un master in politica culturale e un dottorato in sociologia. 
Il suo progetto solista Matchess è arrivato, dopo la trilogia "Seraphastra" - "Somnaphoria" - "Sacracorpa" pubblicata dalla Trouble In Mind dal 2015 al 2018, a un nuovo lavoro intitolato "Sonescent", stavolta pubblicato dalla chicagoana Drag City. Abbiamo incontrato Whitney per saperne di più sulla genesi del suo affascinante nuovo lavoro, per conoscere le sue dinamiche compositive come Matchess e nei numerosi progetti cui prende parte e per capire in che modo i processi meditativi possono avere questa poderosa forza creativa.

Ciao Whitney. Sono sempre stato attratto dalla forza spirituale della tua musica. Il processo mentale che porta ad allontanarsi in qualche modo dalla razionalizzazione per andare ad abbracciare l’ignoto. La mente che vaga lontano dal conoscibile. La meditazione Vipassiana che ha ispirato "Sonescent" completa questo processo andando a trovare all’interno del proprio corpo suoni quasi magici provenienti dalla nostra sensibilità più interiore?
Assolutamente. Il maestro di meditazione Vipassana, S. N. Goenka, sottolinea che la pratica di per sé non è affatto "magica", ma solo il semplice procedimento di osservare le sensazioni nel tuo corpo. Ma qualcosa di notevole accade quando si percepisce la carica elettrica dello spazio vuoto tra le particelle a livello atomico. Quel tipo di sensibilità libera la coscienza nascosta per essere scardinata, creativa e pericolosa. Anche se la mia mente era concentrata sulle sensazioni corporee, ho avuto la sensazione che in background si stessero succedendo attività cognitive incontrollate.

In tutti i tuoi progetti (dai Via Tania a Verma, da Simulation alla collaborazione con Circuit Des Yeux) quanto ti è servita la disciplina della musicista classica? E come cambia il tuo approccio da un progetto all’altro?
La musica classica europea è stato il primo linguaggio musicale che ho imparato, e ci faccio ancora riferimento per molti progetti di collaborazione. È un modo familiare di comunicare, ma è più utile per alcuni progetti che per altri. Ad esempio con Laura Callier aka Gel Set nel progetto Simulation mi sono basata meno su quel linguaggio, ma con Circuit Des Yeux, al contrario, Haley Fohr ha preso molto a cuore quella direzione per le parti di archi. Voglio essere una poliglotta musicale, e tutte queste diverse collaborazioni sono come un'immersione linguistica in diversi modi di comunicare.

Professoressa e musicista, come riesci a far coesistere l’impegno sociale e il dottorato in sociologia con il tuo essere musicista affermata?
Questa relazione tra le mie professioni è cambiata molto nel corso degli anni. Ero solita pensare alla mia vita di sociologa strettamente come a un lavoro giornaliero per sostenere il mio fare musica, ma con il passare del tempo le due vite si stanno fondendo. Ho studiato sound art nella mia ricerca di dottorato, e ora sto lavorando a un post-dottorato all'Università di Uppsala su suono e genere. Queste idee si mescolano mentre faccio musica, e ciò che ho sperimentato come musicista è il fondamento della scrittura che faccio nell'altro settore.

Sei un’artista orientata alla visione, l’ascolto di "Sonescent", in cuffia, di notte, è stato come una seduta di psicoterapia, mi ha fatto affiorare brandelli di ricordi in parte perduti, mi ha stimolato ed emozionato, facendomi cercare realtà interiori nascoste. Era questo quello che ti proponevi? Creare suoni provenienti dal lento navigare della tua mente all’interno del corpo per stimolare la meditazione personale dell’ascoltatore?
Penso che questo disco funzioni in due modi. Uno è l'ascolto passivo, quando semplicemente si ascolta la musica mentre si fanno altre cose. In questo modo la musica, lasciata delicatamente in sottofondo, può snaturare l'ambiente circostante e metterti in contatto con un ragionamento di livello superiore. L'ascolto attivo, come hai descritto tu, è il modo migliore per sperimentare questo disco! Per me, quella modalità apre un vuoto profondo e oscuro in cui si materializzano immagini, sensazioni e sentimenti. Alcune di esse mi sorprendono, e non tutte sono facili da affrontare. Spero che questo processo di rivelazione sia un modo per le persone di sperimentare la realtà nascosta della propria mente.

Qual è stato il processo compositivo dei due lunghi brani di "Sonescent"? Sono stati coinvolti altri musicisti? Come è stato registrato e quali strumenti hai usato?
Questo processo di composizione è stato diverso da qualsiasi cosa abbia fatto prima. Ho iniziato componendo le canzoni per la PHB (Purgatory House Band) composta da Haley Fohr, Rob Frye, Tim Kinsella, Kalina Malyszko e Brian J. Sulpizio. La strumentazione era: chitarra acustica a 12 corde, chitarra elettrica, basso, batteria, clarinetto, flauto, violino, viola, violoncello, organo e voce. Un processo che ha richiesto un'eternità, perché ho scritto ogni dettaglio di un intero disco di 36 minuti, un disco che si può a malapena sentire racchiuso in "Sonescent". Beh, in realtà ogni dettaglio tranne la batteria; non sono brava a scrivere la partitura per batteria su un pentagramma di 5 righe. Ho scritto anche i testi per l'intero album dei PHB. Così, con queste partiture e demo Midi, ho portato i musicisti a registrare all'Experimental Sound Studio di Chicago e abbiamo fatto alcune sovraincisioni in casa. Brian J. Sulpizio mi ha aiutato a mixare quel disco come se potesse essere pubblicato da solo. Con quelle sei tracce in mano, ho fatto l'altro disco: onde sinusoidali, synth Arp Odyssey, elettronica senza input, field recordings ecc. Anche quel disco potrebbe esistere da solo, suppongo. Metterli insieme è stato molto difficile e abbiamo dovuto remixare quello della PHB in modo che le frequenze basse non fossero mascherate. Ho fatto il missaggio finale, unendo i due dischi in uno solo. Anche il mastering è stata una sfida, perché non volevo che le canzoni dei PHB risultassero più in primo piano di quanto lo fossero.

La scena di Chicago, da molti anni, è davvero straordinaria, dal suono più ordinario alle sperimentazioni jazz e rock. Tu stessa hai collaborato con Cooper Crain, Ryley Walker, Haley Fohr. Ti senti parte della scena? E il fatto che collabori più spesso con artiste è casuale o senti che c’è un legame speciale tra donne?
Collaboro solo con persone che mi rispettano veramente. Non mi interessa solo il rispetto dovuto dal fatto che esisto come musicista, ma voglio collaborare con persone che sono effettivamente interessate alle mie scelte musicali, che ammirano il mio pensiero e condividono alcuni dei miei gusti. Fondamentalmente tutto si deve basare sul fatto che loro pensano che io sia eccezionale e allo stesso tempo io penso che loro siano fantastici: per me l'ammirazione reciproca è il fondamento della libera collaborazione. È molto doloroso rendersi conto che qualcuno che pensavi ti rispettasse sinceramente in realtà ti vede come fondamentalmente inferiore, che il giudizio sia basato sul tuo genere o su qualsiasi altra cosa.

Raramente sei andata in tour. Pensi di riuscire a portare "Sonescent" in giro per il mondo? E se sì, con quali musicisti e strumentazione?
Le cose sono ancora poco chiare vista la situazione. In ogni caso aggiungo sempre le date del tour a questo link del mio sito web.

La memoria ha avuto un ruolo importante nella costruzione del disco. La viola che sembra sommersa dalle tastiere e dai droni per poi venire a galla rappresenta le figure della mente che vengono prelevate dall’inconscio per poi sfumare di nuovo abbandonandosi al ricordo?
La mia viola è un'appendice del mio corpo, più intimamente connessa a me di qualsiasi altro corpo o oggetto materiale. Respiriamo la stessa aria e condividiamo la struttura cellulare attraverso la nostra connessione quotidiana per 20 anni. Inizialmente ho scritto la viola come melodia principale per PHB, non sapendo se avrei voluto cantare o meno. Alcune di quelle melodie sono rimaste nella viola e altre sono state sollevate nelle linee vocali. La viola è più profondamente connessa alla mia mente inconscia che alla mia voce.

I tuoi album come Matchess hanno sempre un nome immaginario. Cosa significa "Sonescent"? E in che modo i titoli dei brani sono legati all’esperienza avuta durante il Nobile Silenzio? In particolare il “muro” di “Through The Wall”.
"Sonescent" è un gioco di parole. Senescente significa invecchiare, diventare anziano, o deteriorarsi, e Sonus è la radice latina di rumore o suono. "Sonescent" registra gli ultimi minuti di vita della musica. Si può sentire la musica stessa fare qualche ultimo respiro nel mondo del suono. Fissare il muro è diventato una figura primaria nella mia vita e nella mia musica! Mentre stavo iniziando a scrivere questo disco, l'edificio a un piano accanto al mio è stato abbattuto e la famiglia che ci viveva è stata sfrattata da un promotore immobiliare. Ho visto questi ingordi avidi di denaro costruire un muro di cemento immediatamente fuori dalla finestra della mia camera da letto, a circa 30 centimetri di distanza - per utilizzare tutti i metri quadrati disponibili per questi condomini. Ho fissato quel muro per mesi mentre componevo questo disco.

L’immagine della copertina mi ha ricordato i lavori manuali che venivano tramandati nelle vecchie generazioni. Cosa significa in particolare la foto di copertina?
Vorrei che ci fosse più documentazione online delle ceramiche smaltate di Ike Floor! Questo pezzo è un enorme lavoro di argilla lavorata all'uncinetto - forse 36" di diametro - smaltato e cotto, e poi fotografato. Avevo visto il lavoro di Ike per molti anni in molti media diversi, e queste ceramiche smaltate mi hanno lasciato a bocca aperta. Alla loro mostra personale alla Happy Gallery di Chicago, abbiamo parlato di fare qualcosa del genere insieme, e Ike ha gentilmente creato quest'opera. David Sampson l'ha fotografato davanti e dietro per il fronte e il retro dell'Lp. Si può vedere lo smalto cancellato sul lato posteriore. Posso sentire qualcosa di invecchiato nel processo dell'uncinetto, che ricorda gli ultimi giorni di vita, forse una scultura senescente per capire gli ultimi minuti di vita della musica.