Kiiōtō – Abbracciarsi in orbita

Incontriamo il duo britannico Kiiōtō, composto dalla cantautrice Lou Rhodes, ex voce solista e co-fondatrice dei Lamb, e dal pluripremiato cantautore e pianista Rohan Heath, a ridosso del concerto tenuto all’Auditorium Novecento di Napoli, promosso da Rockalvi Festival e Main Out, per la direzione artistica di Peppe Guarino. Un’occasione unica per farci raccontare la loro musica e la genesi delle dieci canzoni del nuovo album, “Black Salt“, che unisce soul, jazz e cantautorato in un amplesso tanto magico quanto profondo.

Come e quando è nato il progetto Kiiōtō?

Lou: Tutto nasce per caso. Io e Rohan ci eravamo entrambi allontanati dalla musica dopo circa 30 anni di attività. Lui stava scrivendo un romanzo, io studiavo per un master in poesia. La vita, però, aveva altri piani e ci ha riuniti, tramite amici comuni. Questo è successo subito dopo il lockdown e, sebbene non avessi scritto musica, mi ero ritrovata ad ascoltarla con maggiore attenzione durante l’isolamento. Ho un pianoforte in cucina e, quando Rohan ha iniziato a suonare, è stato come riscoprire una nuova fonte di ispirazione musicale rimasta sopita fino ad allora.

“As Dust We Rise” è stato fortemente ispirato da un viaggio in Louisiana. Potreste condividere qualche aneddoto che colleghi il viaggio alle canzoni dell’album?

Rohan: Molte delle canzoni di “As Dust We Rise” sono nate durante un viaggio in auto dal Messico alla Louisiana. Dopo aver celebrato il “Giorno dei Morti” a Oaxaca, abbiamo trascorso alcune settimane a New Orleans e nel Bayou della Louisiana. La ricca storia musicale e i colori vibranti di New Orleans hanno infiammato i nostri sensi, dandoci tutta l’ispirazione necessaria per iniziare a scrivere l’album. La canzone “Josephine Street” è nata proprio in quella strada, una strada che sembrava non dormire mai. In origine, la canzone aveva cinque strofe, ognuna popolata da personaggi diversi che incontravamo per strada, ma è diventata così lunga che abbiamo dovuto accorciarla. Se c’è un ricordo particolare che conserviamo di quella strada, è che la musica era ovunque: gente che cantava, musica che usciva dalle finestre, gente che batteva ritmi sui coperchi dei bidoni della spazzatura sul marciapiede. Riassumeva perfettamente New Orleans: vita e musica sono inseparabili.

E “Spanish Moss”?

E’ nata nel Bayou, in una vecchia casa di legno che, pur essendo molto bella, sembrava stranamente buia. Tutto è diventato chiaro quando abbiamo scoperto che la casa era stata spostata lì da una vecchia piantagione nelle vicinanze. La Louisiana ha una storia molto oscura legata alle sue piantagioni e alla popolazione schiavizzata. Questa scoperta si riflette nei testi di “Spanish Moss”.

“Butterfly” è una critica cupa e malinconica a un narcisista: chi rappresenta quest’uomo?

Lou: La canzone è stata ispirata da una particolare figura pubblica, che forse è meglio non nominare. Credo però che, con la diffusione dei social media, viviamo sempre più in una società guidata dal narcisismo, che impone standard irrealistici a cui tutti devono conformarsi.

“Zero Gravity” è ispirata invece al romanzo vincitore del Booker Prize “Orbital” di Samantha Harvey: in che modo l’orbita terrestre ha influenzato questo brano?

Rohan: La lettura del romanzo “Orbital” di Samantha Harvey ci ha offerto l’opportunità di immaginare di guardare la Terra dallo spazio. Orbitare attorno al pianeta e vederlo come un’entità così piccola e fragile dovrebbe ricordarci quanto sia prezioso e quanto, come specie, dobbiamo fare tutto il possibile per prendercene cura e smettere di distruggere i suoi meravigliosi ecosistemi e tutte le altre specie che li abitano.

“Little Axe” narra le difficoltà di crescere come giovane uomo in un contesto urbano violento: è un’osservazione autobiografica?

Lou: “Little Axe” è scritta specificamente dal punto di vista di un genitore che cresce dei figli maschi nella società moderna. L’idea è nata dopo aver visto un film sui “Central Park Five”: la tragica storia di un gruppo di ragazzi afroamericani ingiustamente incarcerati per un crimine che non avevano commesso. Come genitore di giovani uomini, questa storia mi ha profondamente colpito. Proteggiamo automaticamente le nostre figlie, ma i ragazzi sono vulnerabili a pericoli diversi e, anche crescendo e diventando uomini, hanno bisogno di una certa saggezza per affrontare le sfide della vita moderna.

“White Noise” mette in luce la presa che i social media hanno sulla mente moderna: qual è il vostro rapporto con i social media e cosa ne pensate dell’intelligenza artificiale applicata alla musica?

Rohan: Non si può negare che i social media siano uno strumento meraviglioso per rimanere in contatto con le persone. Ma allo stesso tempo sembra che stiano cambiando il modo in cui funziona la mente umana; diventiamo dipendenti dalla scarica di dopamina che il cervello riceve ogni volta che riceviamo un messaggio o una notifica. Abbiamo anche notato che la nostra capacità di attenzione si sta riducendo sempre di più. Per quanto riguarda l’Ia e la musica, siamo davvero preoccupati per i suoi effetti. L’enorme varietà La varietà di stili e sistemi musicali esistenti riflette la ricchezza dell’esperienza umana, la storia e l’evoluzione della musica come forma di comunicazione. Scrivere canzoni e suonare richiede tempo, tempo in cui esercitiamo la mente e ci mettiamo alla prova intellettualmente. Sarebbe una tragedia se tutto ciò venisse sostituito da programmi per computer.

A Londra, il jazz sembra aver avuto un enorme impatto sulle nuove tendenze: come spiegate questa “rinascita” e questo fenomeno?

Rohan: La rinascita del jazz, soprattutto a Londra, ma anche in tutto il Regno Unito, era inevitabile. Gran parte del jazz che proviene da Londra ha un tocco moderno, molti dei quali contaminano aspetti del jazz tradizionale con l’uso della tecnologia moderna; batterie programmate e in loop convivono con arpe e sassofoni; melodie e linee di basso suonate con sintetizzatori e sequencer moderni si intrecciano con flauti, tabla e violoncelli. Il jazz incontra l’elettronica.

“Lost Map” riflette sui risultati dei test del Dna a cui vi siete sottoposti, alla ricerca di una comprensione più profonda delle vostre diverse origini: cosa avete scoperto?

Rohan: I risultati dei nostri rispettivi test del Dna sono stati interessanti e sorprendenti. I miei risultati hanno rivelato che sono per il 50% germanico (il che ha senso, visto che mia madre era svizzera), per il 12% nigeriano, con percentuali minori di origini ghanesi, della Sierra Leone, ecc. È interessante notare che il 3% del mio Dna è di origine italiana. Al contrario, i risultati di Lou hanno rivelato che è per oltre il 99% inglese, e quasi interamente proveniente dalla contea del Lancashire, cosa che ha trovato un po’ deludente.

Lou, elencaci cinque album che hanno segnato la tua vita.

Gil Scott-Heron – Pieces of a Man, essendo semplicemente un classico senza tempo con così tante canzoni di grande impatto che hanno una rilevanza oggi profonda come quando furono scritte. La title tracking e “I Think I’ll Call It Morning” mi commuovono sempre fino alle lacrime. Alice Coltrane – Pta The El Daoud, in quanto jazz profondo e cosmico che mette in mostra il genio di Coltrane all’arpa e al pianoforte, spesso oscurato dalla notorietà del marito in una scena dominata dagli uomini. Brani eccezionali: “Turiya & Ramakrishna” con il suo pianoforte fluido quasi ebbrezza, e “Blue Nile” per la sua arpa trascendente. Neil Young – Harvest, altro classico dei primi lavori di Neil Young. Ogni canzone è di una bellezza rustica, ma “A Man Needs A Maid” è struggente. Il tema è forse un po’ datato per i nostri tempi, ma per me mostra più la vulnerabilità di un uomo in amore che le sue convinzioni politiche. Carole King – Tapestry, in quanto il songwriting della King resiste alla prova del tempo, sia per il contenuto dei testi che per le sonorità musicali. Sia io che Rohan siamo cresciuti ascoltando queste canzoni e sono uno dei tanti punti di riferimento per il sound di Kiiōto. E infine Little Simz- Grey Area: ho ascoltato questo album in loop quando è uscito. La produzione ha una meravigliosa spontaneità e i suoi testi sono taglienti come rasoi. Vale la pena ascoltarlo in cuffia per poter sentire ogni dettaglio.

Qual è poi il tuo ricordo più bello dei tempi dei Lamb?

Credo che i miei ricordi più belli siano i primi tempi dei Lamb, soprattutto intorno al primo album, quando il nostro stile era fresco e innovativo, con influenze jazz e breakbeat. Sono cresciuto con la collezione di dischi folk di mia madre e ascoltandola cantare dal vivo (era una cantante folk attiva nella scena degli anni ’70). Andy proveniva da un background techno, ma quando ci siamo conosciuti io ascoltavo trip hop e i primi breakbeat e volevo fondere le mie radici folk con questi stili. Anche i nostri primi tour erano un’esperienza incredibile, persino quando i miei figli piccoli erano in viaggio con me. Vivevamo su un tour bus per un mese di fila e ho bellissimi ricordi di quando mi svegliavo la mattina presto, dopo aver viaggiato e dormito tutta la notte, e dell’emozione di capire dove ci trovavamo attraverso i finestrini di un autobus in movimento.

“Black Salt” è stato scritto principalmente nello studio casalingo di Kiiōtō a North London con una marea di musicisti fenomenali: come li avete scelti?

Rohan: Sia io che Lou lavoriamo nel mondo della musica da oltre 30 anni, durante i quali abbiamo suonato con una grande varietà di musicisti e ci siamo fatti conoscere. Abbiamo stretto moltissimi contatti. Quando è arrivato il momento di registrare Black Salt, abbiamo fatto una “lista dei sogni” di artisti che avremmo voluto coinvolgere nell’album, prima di telefonare e chiederglielo. Con nostra grande sorpresa, hanno accettato tutti! Lavorare con tutte queste persone talentuose e creative è stata un’esperienza meravigliosa, che intendiamo assolutamente riproporre nel nostro prossimo album.

Lou, cosa ricordi del 1996 e di quell’epoca speciale per la musica britannica?

A Manchester, in quel periodo, c’era una scena musicale particolarmente vivace, incentrata sulle radio pirata e sui negozi di dischi indipendenti. Era prima dell’avvento di internet, quindi questi punti vendita erano l’unico modo per scoprire nuova musica, ma c’era un’emozione incredibile in questa scoperta. Ricordo di aver sentito un brano su una radio pirata che fondeva una voce soul con un breakbeat grezzo e primitivo, ma non ricordo il titolo. Oggi si potrebbe usare Shazam o cercare i testi online, ma all’epoca non avevamo queste opzioni. Così ho dovuto girare per diversi negozi di dischi (molti dei quali gestiti da tipi piuttosto scontrosi) e cantare questa canzone al bancone. Alla fine l’ho trovata e ne ho ancora un 12 pollici piuttosto graffiato. Era un brano intitolato “Love Is All We Need” di Peter Bouncer.