Max Fuschetto - Tra classica moderna e melodie mediterranee

Tra i musicisti della prolifica scuola campana contemporanea, il compositore Max Fuschetto è tra quelli che più di altri si è fatto notare per l'originalità e la personalità dei suoi lavori. Figlio della musica colta del 900 ma al contempo affascinato dalla melodia pop, è riuscito, fin dalla pubblicazione del suo primo album solista del 2009 ("Popular Games"), a coniugare la complessità e la maturità di un musicista d'avanguardia contemporanea (come può tranquillamente definirsi) con elementi di musica popolare, sia essa pop - nel suo versante più colto - che tradizionale. Di fatto i suoi lavori solisti sono un esempio lampante di musica che riesce a essere allo stesso tempo complessa e fruibile, legata alle tradizioni ma innovativa, figlia della lunga storia compositiva occidentale ma indissolubilmente contaminata da elementi orientali ed etnici.
Lo stile di Fuschetto riesce a trovare un punto di congiunzione tra musica popolare e musica colta, tra musica etnica e avanguardia, tra Oriente e Occidente; è una musica capace di abbattere muri, siano essi geografici o di genere. Per raggiungere un obiettivo tanto ambizioso, è necessario l'utilizzo di una strumentazione tanto varia e complessa da far diventare l'autore una sorta di direttore d'orchestra di classica contemporanea, attraverso una strumentazione ricchissima: oboe, sax, chitarra, clarinetto, viola, violino, violoncello, flauto, piano, percussioni, corno, fagotto, trombone. In tutti i brani un elemento è sempre sorprendente: la complessità dei ritmi e delle soluzioni armoniche, unita alla nitidezza dei suoni e alla semplicità dell'ascolto, aspetti che è molto raro riuscire a conciliare.

Da sempre appassionato di popular music, con una particolare predilezione per i Beatles di cui apprezza la capacità di trovare facilmente soluzioni melodiche di grande impatto e innovazione al contempo, si diploma in oboe al conservatorio Nicola Sala di Benevento.
Gli anni Ottanta e Novanta lo vedono protagonista in varie collaborazioni che gli consentono la scoperta e l'esplorazione di svariati linguaggi musicali; dalla popular music al jazz, dall'avanguardia del Novecento (Bela Bartok, György Ligeti, Igor Stravinskij) alla musica africana subsahariana. Queste continue esperienze, che lo vedono suonare oboe, sax, percussioni e pianoforte, lo portano nel 2009 a pubblicare il primo album solista, intitolato proprio Popular Games, a testimoniare il legame di Fuschetto alla musica popolare che parte però da studi accademici.

Popular Games sembra esplorare il concetto di musica delle origini, musica dei primi uomini, insita nella nostra natura umana, o addirittura, spingendosi ancora più in là, "mai nata", già presente nella natura stessa. Idea già presente, ma sviluppata in modo differente dal compositore Lino "Capra" Vaccina e in particolare nel suo primo album solista "Antico Adagio". Proprio l'autore ci mette nella giusta strada nelle sue note di copertina: "Ho sempre ascoltato musica, ma vivendo lontano dalle sue strade maestre è come se essa arrivasse a me casualmente, come trasportata dai venti. E io la seguivo, come si guardano le nuvole. Si mostrava evanescente, come uno spirito. Da un certo momento in poi ne ho avvertito la presenza". In queste parole c'è tutto: una musica che deve essere semplicemente colta, non creata, già presente anche se invisibile come un fantasma. Il musicista è colui che ha orecchie e "cuore" per ascoltare e riprodurre quello che è già "nell'aria", in un certo senso la colonna sonora della nostra vita, della nostra genesi, della natura che ci circonda. I riferimenti a John Cage e Brian Eno sono evidenti ma si esplicitano più nelle intenzioni che nel prodotto finale. Quest'idea ricorda da vicino la letteratura naturalistica di Emile Zola, dove il romanzo è già scritto, lo scrittore deve solo osservare e descrivere nel modo più fedele possibile quello che è già davanti ai suoi occhi, ma che solo lui è in grado di vedere e descrivere.
Il primo brano "A Sud delle nuvole" dà proprio l'impressione di musica già presente nella nostra mente, basterebbe chiudere gli occhi per poterla ascoltare. Il morbido piano di "Yee Moon Ye Lo" è suonato dal maestro Girolamo De Simone (presente anche nella successiva "Bianco su Nero"), mentre "Yee Moon Ye Lo Reprise" appare come un breve scherzo gioioso e divertente. In "Valle Valle" e in "Portami con te" - entrambe cantate in lingua Arbëreshë - troviamo la splendida voce di Antonella Pelilli, mentre nella successiva "Frase Rem" l'inizio è affidato a un delicato pattern minimalista ripetuto su cui si fa spazio la voce di Daniela Polito; è impossibile non sentire i richiami di Terry Riley, il pioniere del musicista che coniuga avanguardia e spiritualità orientale.
"Saltarello" nasce da una danza tradizionale dell'Appennino e introduce ancora un pattern ripetitivo ma stavolta più ipnotico e inquieto; uno di quei brani che potrebbe durare all'infinito, ripetendosi senza stancare mai. Incontriamo poi la voce di Irvin Vairetti in "Harsh Voices", in cui stavolta sono le percussioni a creare un ipnotico substrato di sottofondo. Il finale "Bill's Mood" è un personale ricordo di Bill Evans, dove, seppur siano presenti chiari riferimenti jazz, non ci si discosta dalla musica senza confini - come direbbe De Simone - creata da Max Fuschetto.

Nel 2015 il compositore campano torna col suo secondo album solista, Sun Na, perfetto punto di arrivo delle sue idee. La facilità con cui l'autore riesce a fondere insieme elementi tanto diversi l'uno dall'altro (classica, ambient, musica orientale, musica latina, etnica) è sorprendente e riesce a far scoprire al pubblico occidentale culture lontane, linguaggi musicali arcaici ma ancora esistenti in sparute regioni africane.
Fuschetto compie la sua "missione" con dieci brani brevi che tutti insieme rappresentano l'essenza stessa del Sun Na, del sogno. L'atmosfera è a volte quasi religiosa, un approccio che non può che rimandare, perlomeno nelle intenzioni, da una parte a "Hosianna Mantra" dei Popol Vuh, sia per la voce di Antonella Pelilli che per la religiosità stessa del paesaggio musicale riprodotto, da un'altra ai Third Ear Band per il tentativo di coniugare tradizione popolare e musica colta. Basti ascoltare "In Preghiera", che in appena un minuto ricrea luoghi di culto di una religione che non vuole dividere ma unire culture differenti, proprio quello che Florian Fricke ha sempre avuto come obiettivo ultimo. E in effetti, come ci dice lo stesso Fuschetto, la preghiera è un gesto universale, presente in ogni tipo di cultura.

Come nella missione dei Popol Vuh, Fuschetto - nonostante le differenze evidenti - riesce a far comprendere quanto siano forti le analogie e i punti in comune tra culture e religioni ritenute totalmente diverse. Non cultura orientale (atmosfere mediorientali, lingua arbereshe), occidentale (sapiente dosaggio di elettronica e strumentazione acustica), africana (percussioni, musica etnica) o latina (ritmi bossanova) ma cultura "umana" nel senso più ampio possibile.
Il punto di contatto che Fuschetto trova è il "Sun Na", parola tratta dalla lingua Yoruba (dialetto derivante dal greco, parlato in alcune regioni dell'Africa quali zone della Nigeria, del Benin e del Togo). Sun Na vuol dire dormire, sognare, e in effetti - come ci consiglia lo stesso autore - provate a dirlo in un dialetto del sud e vedrete quanto il concetto di cultura "umana" sia vicino alla verità. Perché è assolutamente vero che il sogno, inteso come speranza, aspirazione magari illusoria, è un bisogno che esula da ogni razza, religione o cultura.
Il sogno continua nei modi più vari, dai rimandi alle opere per violoncello di Schubert (basta ascoltare la colonna sonora di "Barry Lindon" per comprendere il riferimento) di "Return To A", a cui si aggiungono viola, oboe, flauto, sax e corno, al ritmo di bossanova di "Paisagem Di Rio" che sfuma, nei pochi secondi finali, in brevi note di piano accompagnate da fiati in lontananza che da soli valgono l'acquisto del cd.
"Oniric States of Mind", onirico sin dal titolo, ribadisce il concetto di contaminazione con il suo testo in parte inglese, in parte arbereshe. La voce cristallina di Antonella Pelilli viene qui accompagnata da quella di Irvin Vairetti (figlio di Lino degli Osanna). Il brano si disperde in "Secret Shadows", breve strumentale di piano e chitarra elettrica con complesse soluzioni armoniche, dove la chitarra di Capobianco sembra quasi stare a metà tra l'ambient e la psichedelia.
"Vibrazioni Liquide", con il suo bordone iniziale, inserisce cenni di avanguardia, come anche la piccola perla strumentale "Samaher", continuazione di "In Preghiera" ma con spiccate sonorità arabe. Chi si entusiasma per le contaminazioni e preferisce non relegarsi in rigidi schemi di "genere" non potrà che apprezzare.

Nel 2018 Fuschetto cambia radicalmente strada con un nuovo lavoro molto diverso dai precedenti. Mother Moonlight - ideato per piano solo - è fondamentalmente un’opera di ferrea riduzione rispetto la ricchezza delle composizioni precedenti, una riduzione di tutta quella poetica complessità ricreata da oboe, sax, chitarra, clarinetto, archi, flauto e percussioni. Riduzione tanto marcata che Max Fuschetto limita la sua presenza alla composizione dei brani, lasciando l’esecuzione al pianista Enzo Oliva, mettendosi a sua totale disposizione. L’idea iniziale di un lavoro prettamente pianistico viene poi arricchita da minimi apporti di elettronica, archi, chitarra e dilruba (uno strumento indiano simile al sitar), in un continuo dialogo polifonico tra mano destra e sinistra in cui melodie e trame differenti si intrecciano in un perenne sovrapporsi che fa della riduzione la propria forza. Tra citazioni di Bela Bartok (le note di piano ribattute di “Ting Tang”) o di John Lennon (la “non” melodia beatlesiana di “Occhi di conchiglia”, con il suono del dilruba), il percorso di Fuschetto si snoda tra rimandi alla musica dell’Africa subsahariana e il costante tentativo di porsi in quello stretto spazio che si trova tra musica popular e musica colta, idea che generazioni di musicisti classici hanno perseguito. 

Con Ritmico non ritmico (2022), Fuschetto prosegue nel processo di rarefazione sonora intrapreso con “Mother Moonlight”, lasciando ancora una volta il centro della sceneggiatura sonora al pianoforte di Enzo Oliva-“Ritmico Non Ritmico” è più che un ossimoro, uno stato emotivo-creativo che corrisponde ad un nuovo stadio evolutivo dell’artista campano, sempre più affascinato da altre nobili forme d’arte come la pittura: copertina e titolo sono un esplicito riferimento a Paul Klee.
Le nove tracce sono altrettanti quadri in movimento, caratterizzati da elementi sonori volutamente statici, intorno ai quali Fuschetto traccia segnali, divagazioni, ornamenti non necessariamente contestuali quanto conformi, distorsioni di stile e di linguaggio che non turbano l’etica principale del progetto, ma ne alimentano quella motilità e quella variabilità che permette all’album di fluttuare come un quadro impressionista. E' racchiusa in “Vortex, A Jackson Pollock” l’etica di questo nuovo progetto, elementi apparentemente casuali creano un tessuto aspro e stridente che accarezza la musica sperimentale contemporanea, la potenza pittorica del musicista cattura le inquietudini che si nascondono dietro l’estetica della musica classica per nuove forme di composizione. Il trittico iniziale ("Number 1", "Number 3", "Number 5") è un concentrato di purezza e bellezza, toni crepuscolari, riverberi pianistici, frammenti sonori si alternano creando una tela immaginaria. Recuperate dal cassetto l'elegante pagina per archi e corno francese di “Midsommar Choral”, la plumbea “Trame” e la potente melodia di “Midsommar” si dimostrano comunque funzionali al resto dell'opera.
All’omaggio simbolico intitolato “A Lucio B.” l’artista affida la chiosa dell'album, riaffermando l'interesse per l’interazione tra musica colta e popolare che l’autore ricerca da sempre, con risultati che vanno ben oltre il convenzionale. E’ probabile che l’artista abbia individuato non a caso la figura di Lucio Battisti per portare a termine questo viaggio, una scelta che conferma il coraggio e l’originalità di Fuschetto.

Dopo aver concesso alcuni brani per alcuni film, Max Fuschetto accetta l'incarico di autore di una colonna sonora per il film documentario Sniper Alley - To My Brother (2025), incentrato sul lavoro dei fotoreporter che documentarono l’assedio di Sarajevo dal 1992 al 1996. Protagonisti del film di Cristiana Lucia Grilli e Francesco Toscani sono Džemil Hodžić e il fratello Amel, una storia di sogni infranti, quelli del sedicenne Amel di diventare un artista, dal fuoco di un cecchino.
Solo ventotto minuti, divisi in nove composizioni dove affiora prepotentemente il senso più intimo e spirituale del dolore, una musica che scivola nel sacro (“No Man Is An Island”) e nel profano (“L’escalier De Drake (A Nick Drake)” con egual rigore e prestanza armonica. A ogni brano corrisponde un’immagine quasi pittorica del suono, tra pennellate di glockenspiel che donano luce a movimenti sinuosi di archi e tastiere (“Opalescent Pendulum”), o melodie evocative e radicate nella miglior tradizione della musica da film (la title track).
Max Fuschetto mette al servizio dell’album l’intero patrimonio musicale che ha intercettato ed elaborato in passato, tra agili movenze sonore da teatro popolare e d’avanguardia (“Come Rain Come”), profonda conoscenza dell’anima più colta della tradizione popolare (“Durme Durme”), nonché delle tante opportunità offerte da nuove frontiere creative (“Bosnina Nursery Rhyme”), e dalla reinvenzione di vecchi linguaggi (il coro a cappella di “The Good Morrow” e il già vetusto ambito jazz in “Oboe Sommerso”).

Contributi di Gianfranco Marmoro ("Ritmico non ritmico", "Sniper Alley - To My Brother")