Chiara Civello - La cantautrice internazional-popolare

Abbiamo lasciato Chiara Civello prigioniera nella sua casa/studio di Rio de Janeiro in piena pandemia, alle prese con qualche esibizione domestica in streaming per esorcizzare l’angoscia del lockdown. Proprio in quell’occasione, la più cosmopolita delle cantautrici italiane ci parlò del suo progetto di “Chansons”, una raccolta di classici francesi divenuti ormai standard internazionali e cantati in tante lingue del mondo. Ora che il disco è finalmente uscito, ne approfittiamo per una nuova chiacchierata con lei, che spazia dal rafforzato sodalizio con il produttore Marc Collin (Nouvelle Vague) al gusto vintage per le sonorità cinematiche degli anni 60 e 70, dal cameo nella fiction Rai “Imma Tataranni” alla collaborazione con lo scrittore Emanuele Trevi (fresco di Premio Strega) per l’inedita “Perdiamoci”, dalla musica nell’era post-pandemia all’attuale scena italiana.

Ben ritrovata Chiara, siamo felici che finalmente sia uscito “Chansons”, il disco di cui ci avevi parlato nella nostra precedente intervista. Ci puoi dire con quale criterio hai scelto i brani? Immagino sia sta dura selezionarli all’interno dello sterminato patrimonio della canzone francese.
Il criterio della scelta è stato totalmente empirico. È un progetto che mi è stato proposto dal mio produttore, Marc Collin dei Nouvelle Vague, il quale ha anche una grande esperienza con le cover, anche se è un termine che non amo moltissimo, parlerei più di reinterpretazioni, di riletture. Dopo l’esperienza positiva di “Eclipse”, ho deciso di affidarmi concettualmente alla sua visione, perché ci siamo trovati sempre in grande empatia. Lui è un produttore molto speciale, un creatore di atmosfere, ha questa visione pittorica della musica: disegna luci, ombre… E questa cosa mi ha sempre incantato. Così abbiamo iniziato insieme un ping-pong di idee, sempre nutrito dall’entusiasmo: lui aveva in mente un omaggio a quei grandi standard internazionali che non molti sanno essere stati scritti da penne francesi. È questo il concetto di base, che ci ha anche aiutato a restringere un po’ il campo.

Il caso più eloquente è quello di “My Way”…
Sì, nessuno sa che non è un brano di Paul Anka o di Frank Sinatra, ma nasce da “Comme d’habitude” dei francesi Claude François e Jacques Revaux. E peraltro nessuno sa neanche che un primo tentativo di una versione in inglese era stato fatto da David Bowie! Molto spesso queste canzoni negli anni diventano un ricettacolo di voci, di talenti, di personalità artistiche che ruotano attorno a una bella melodia.

In ogni caso, hai deciso di cantare questi brani non solo in francese, ma anche in inglese e in italiano.
Sì, la cosa più interessante per me è stata proprio la scelta della lingua in cui cantare. Le prime bozze le ho fatte un po’ in inglese, un po’ in italiano, però poi sono andata sempre più a concentrarmi su cosa risuonava meglio nel mio cuore, allora ho deciso ad esempio di fare “Col tempo “ (di Léo Ferré, ndr), che ascoltavo sempre da piccola, quando d’estate con mio padre attraversavamo da soli in macchina tutta l’Italia per andare in Sicilia, nella nostra Modica. O per esempio “Ne me quitte pas”, sempre nella versione di Gino Paoli o in quella cantata da Patty Pravo (“Non andare via”, ndr). E ancora “Un uomo, una donna”, che mi sono divertita molto a cantare in italiano con queste parole così eteree e cinematiche, nello stile di Francis Lai. Invece “La Vie En Rose” è una canzone degli anni 50 molto angelica, molto “rosea”, per l’appunto, che abbiamo voluto stravolgere con un mood completamente diverso, in cui l’unica “leggera”, che svolazza sulle note, sono io, mentre gli altri sono tutti ancorati a un ritmo incalzante.

Ti abbiamo anche vista in tv, in un cameo nella fiction Rai “Imma Tataranni”. Com’è nata l’idea?
È stato molto suggestivo entrare in una fiction come me stessa, un po’ come Dorothy del Mago di Oz. È stata una bellissima esperienza, perché ho cantato anche la prima canzone composta da Emanuele Trevi, che ha appena vinto il Premio Strega e che considero uno dei migliori scrittori del panorama italiano attuale. In un momento oscuro, dell’Italia e del mondo, durante il lockdown, è nata l’idea di questa canzone, “Perdiamoci”, con la quale si poteva entrare nel magico mondo di Imma. Un’ottima fiction che ha avuto un meritato successo, basti pensare che per quella puntata ha ottenuto il 25% di share.

Quasi meglio di andare a Sanremo… A proposito, sei tentata di riprovarci?
In questo momento non ci penso proprio, sono troppo concentrata sulle mie Chansons e sulla mia tournée.

Ecco, parliamo del tour di “Chansons”…
Partirà da Rovereto l’11 dicembre. Sarò anche a Milano al Blue Note (17 e 18 dicembre) e all’Auditorium di Roma, l’8 marzo per un concerto speciale nel giorno della Festa delle donne. In scaletta ci sarà anche “Perdiamoci” più altre chicche dal mio repertorio, oltre naturalmente ai brani di “Chansons”.

Mi è piaciuta molto la tua versione di “Hier Encore” di Charles Aznavour, tradotta nella funkeggiante “Yesterday When I Was Young”.
È un modo gioioso di ridare vita a un pezzo molto malinconico del passato. C’è anche una componente di improvvisazione, perché gran parte del disco è nata in studio con i musicisti. Poi in fase di post-produzione io e Marc abbiamo lavorato sui dettagli.

A sentirti parlare si percepisce come tu abbia ormai un controllo completo della tua musica, hai maturato quasi un’esperienza da produttrice?
Sono molto appassionata anche dei suoni, della cornice sonora, non riesco soltanto a mettere la voce su un pezzo. Devo sentire il battito recondito della canzone, quello che smuove l’animo, quindi a volte devo entrare nei meandri dei brani, nelle atmosfere. E mi piace moltissimo abbandonarmi alla visione di un produttore artistico, come avvenuto con Marc. Lui è un perfezionista, attento a ogni tipo di eco della voce e di ritorno dei suoni, ai riverberi, ai fruscii, suggestioni che vanno quasi al di là della musica.

Una delle “Chansons” è “I Will Wait For You (Les parapluies de Cherbourg)” di Michel Legrand, il compositore che ti ha cambiato la vita. La vuoi raccontare la storia?
Sì, lui è uno dei miei idoli, mi tocca davvero nel profondo. “I Will Wait For You” (dal film “Les parapluies de Cherbourg”) è un tema di una dolcissima malinconia, come quasi tutta la sua musica. E non dimenticherò mai la canzone di Legrand che mi ha cambiato la vita, dal titolo anche profetico: “What Are You Doing The Rest Of Your Life”. Dopo averla cantata in un’audizione per una borsa di studio del Berklee College of Music, a soli 16 anni, l’ho vinta e, finito il liceo, sono partita… per il resto della mia vita.

Ti avevamo lasciata in Brasile, alle prese con concerti domestici in streaming. All’epoca ci raccontavi che non c’era ancora un vero lockdown, poi sappiamo com’è andata a finire, il Brasile è stato uno dei paesi più flagellati dalla pandemia.
In Brasile purtroppo è stata un’ecatombe. Io sono rimasta lì altri 4-5 mesi, sono tornata a giugno del 2021 in Italia. Ero al sicuro ma anche molto preoccupata, perché eravamo isolati, avevano totalmente interrotto i voli. C’erano solo voli sporadici dell’ambasciata, ma bisognava arrivare a San Paolo e lì bisognava prendere un volo interno dove le attenzioni non c’erano. Insomma, una situazione molto difficile. Ho fatto bene a ritirarmi e a rimanere isolata dove ero.

Al di là delle restrizioni, secondo te la pandemia ha cambiato anche la musica?
Forse tra qualche anno quando ascolteremo le produzioni di questo periodo ci tornerà alla memoria qualcosa, ma sono cose che si percepiscono più a distanza di tempo. Molte cose sono cambiate dentro di noi, al di là delle nostre scelte esistenziali o creative. Una pausa così non può non provocare dei traumi, dei cambiamenti interni in ogni persona. La vita prima o poi ci mette davanti a dei limiti, bisogna cercare di prenderla anche come una esperienza da cui imparare qualcosa.

In quell’occasione mi avevi parlato anche di un altro tuo progetto in cantiere, il disco con Yuka Honda delle Cibo Matto e Jim Campilongo. A che punto è?
Il disco è praticamente fatto, non so se sarà il mio prossimo o quello ancora successivo, però sono molto soddisfatta delle mie collaborazioni con musicisti che ritengo davvero interessanti come Yuka e Jim.

Come nasce questa tua passione per le sonorità vintage – e anche un po’ cinematiche – degli anni 60 e 70?
Sono molto appassionata di un modo di vivere la musica all’insegna della libertà. Se pensiamo alla produzione di compositori come Ennio Morricone, Piero Piccioni, Piero Umiliani, Luis Bacalov, avevano tutti una grande libertà e fluidità, non si ponevano limiti di generi o di stili, mettevano la musica al servizio delle immagini e quindi se ne appropriavano. Era la suggestione delle immagini a ispirare le loro sonorità. Questa fluidità musicale è la cosa che mi appassiona di più, il bello di poter fare di una canzone tutto quello che vuoi. All’epoca uno stesso brano lo poteva cantava Elvis, così come Mina, Dalida o Ornella Vanoni… le canzoni giravano tra più voci. Oggi che i cantanti sono in genere autori di sé stessi raramente si scambiano i brani. È la stessa fluidità che ha permesso a certe canzoni di diventare gigantesche, di farne dei classici internazionali. Il che non toglie ovviamente la possibilità di scriverne di nuove, io cerco di fare entrambe le cose.

Viene da pensare che forse se fossi nata in quell’epoca saresti stata più compresa. Oggi, specie in Italia, viviamo tempi di sovranismo, di autarchia musicale, con classifiche dominate da dischi italiani (e brutti, il più delle volte). È più dura per chi, come te, si propone di essere internazional-popolare, secondo la definizione che abbiamo coniato insieme qualche intervista fa?
Mah, sinceramente non me ne preoccupo di questo aspetto, non posso lasciarmi condizionare dalle questioni del mercato, io mi devo soltanto preoccupare delle emozioni e dei suoni, se dovessi prestare davvero attenzione a queste questioni di marketing, sarebbe un freno, più che un incentivo, alle mie produzioni. Io poi ho vissuto a lungo all’estero, ma non perché in Italia non avessi modo di lavorare, semplicemente vivevo lì e facevo uscire lì la mia musica.

Non a caso, imbattendosi nei tuoi video su YouTube, capita di verificare che buona parte dei commenti vengono dal Brasile …
Vero, però il Brasile è un paese gigantesco, sarà quaranta volte l’Italia. Si tratta di tanti milioni di persone, è anche logico che sia così. Io comunque sono molto orgogliosa del mio pubblico italiano, che sta crescendo in questi ultimi anni.

Oggi che cosa ascolti?
Ascolto molti giovani, come LNDFK, cantautrice e produttrice, che ha dentro di sé una parte tunisina e una napoletana, suonerà presto anche con me, oppure Emma Nolde, che mi piace moltissimo. Poi la scena napoletana, band come i New Genea. Amo Olivia Trummer, una pianista tedesca eccezionale che ormai è stata adottata dall’Italia. Da noi stanno emergendo tanti artisti interessanti, non necessariamente sotto i radar, perché i radar italiani sono un po’ corrotti…

E ti credo, sono occupati tutti dai Maneskin…
(Ride) Eh già. Nel mio piccolo sto cercando di dare spazio a nuovi talenti attraverso due progetti che mi hanno affidato, la direzione artistica di Ambiente Sud e del Centro servizi culturali di Trento, Santa Chiara, dove ho la possibilità di dare spazio agli altri, di sostenere la cultura musicale del nostro paese.

Ormai sei quasi una mediatrice culturale internazionale.
Beh, è quello che ho sempre voluto fare: l’ambasciatrice internazionale della musica.

(05/12/2021)

Dal Brasile con passione

“Sono bloccata qui a Rio de Janeiro. Non esco di casa, anche se la gente qui va ancora in giro, per la strada e sulla spiaggia che vedo dalla mia finestra. Mi dedico alle letture e alla musica, quella live dei miei streaming e quella da realizzare per i miei nuovi dischi”. L’esilio forzato in Brasile causa coronavirus non ha fermato Chiara Civello, la cantautrice italiana più cosmopolita, che anche dalle mura domestiche ha voluto far arrivare la sua musica al pubblico. In questa intervista ci racconta come vive come questo particolare momento e i suoi progetti futuri.

Avevi in programma dei concerti in Cina. Hai rischiato di trovarti lì proprio in piena epidemia…
Avrei dovuto esibirmi nel mese di febbraio al Blue Note, a Shangai e Pechino. Proprio quando siamo andati a fare la pratica per il visto, abbiamo posto la questione della sicurezza e della salute, anche se la diffusione del virus sembrava in quel momento limitata solo a Wuhan e area limitrofa. All’inizio ci hanno assicurato che non vi sarebbero stati pericoli, ma poi, alla fine di gennaio, ci è arrivata la mail con la notizia della cancellazione delle date, proprio a causa dell’epidemia.

E allora hai deciso di recuperare in streaming. Com’è nata l’idea del concerto da casa del 13 marzo?
Sì, ero molto dispiaciuta per la cancellazione dei concerti, mi era capitato di esibirmi altre volte in Asia, in Giappone in particolare, e mi sono posta il problema di come riuscire a fornire la mia musica alle persone rimaste chiuse in casa. Insomma, bisognava affidarsi alla creatività e la tecnologia ci ha dato una mano. Non sono certo una pioniera in materia, ma sono riuscita a organizzare un live streaming proprio per il sito del Blue Note China, ripreso poi attraverso i miei canali social. In Italia non ha aiutato l’orario, ma è stato fatto alle 14 proprio perché erano le 21 in Cina.

Il pubblico cinese come ha accolto lo show?
Benissimo, sono arrivati tanti messaggi che purtroppo non riuscirò mai a tradurre! Però la produttrice del Blue Note mi ha garantito che c’è stata un’ottima accoglienza e molti spettatori cinesi hanno anche riconosciuto le canzoni. Anche il risultato tecnico è stato buono, perché non ero solo io alla chitarra a riprendermi: c’era una troupe che è venuta in mio aiuto qui a casa, tutta rigorosamente igienizzata e a distanza. È stato un primo test, molto incoraggiante.

Ripeterai l’esperimento?
Spero proprio di sì, magari in orari più adatti al pubblico italiano. Con distribuzione sui miei canali social. Mi piacerebbe farlo con degli ospiti, ma con tutte le precauzioni del caso, se si potrà. Si può viaggiare con la musica e con la mente anche stando fermi a casa.

Com’è la situazione lì in Brasile?
Qui finora c’erano stati solo poche centinaia di contagi. La gente continuava a vivere come sempre: i brasiliani sono allegri e gioviali, vedono una giornata di sole e fanno fatica a comprendere la necessità di rimanere chiusi in casa. Ora però chiudono le scuole per 15 giorni. Spero che si sensibilizzino presto le persone: bisogna stare a casa.

In tempi di isolamento, la musica pare l’unica forma di aggregazione sociale: ti piace l’idea dei flash-mob con le canzoni sul balcone?
Sì, è una splendida idea, anche a me è arrivato il suggerimento di uscire alle 18, solo che con il fuso di qui sarebbero le 14 e sarei da sola… però potrei provarci. A parte gli scherzi, stare lontana dall’Italia in un momento così duro mi rende molto triste, però ci sono modi per restare uniti anche con gli oceani di mezzo, e la musica è uno di questi.

Quando l’emergenza sarà finita, tornerai a fare tutti i concerti che avevi in programma?
Certo, a cominciare proprio dai concerti in Cina ai quali tengo molto. Poi avevo in programma dei live già rimandati a maggio, ma non credo che saranno possibili per quelle date. Stavo organizzando dei concerti in duo con Rita Marcotulli, assieme a un violoncellista. E poi stavo preparando un tour estivo con un gruppo di samba di sole donne, Samba que elas querem (letteralmente: “Il samba che vogliono le donne”) che sarebbe venuto per la prima volta in Europa dal Brasile. Loro fanno samba delle radici, ispirandosi a pioniere femminili del genere di tanti anni fa. Mi piacerebbe portarle in l’Italia presto.

Cosa cambierà nel mondo musicale, secondo te, dopo la fine di questo ciclone?
La crisi mondiale sarà devastante, considerato anche che la musica dal vivo sembrava ormai la risorsa principale per il settore, molto più delle vendite. Bisognerà riorganizzare le priorità. Forse cambieranno anche certe abitudini. Ad esempio, non escludo che in uno dei prossimi live, appena potrò riprenderli, includerò già qualcosa del nuovo repertorio. Non c’è più una giustificazione per il rispetto di cronologie e gerarchie rigide. Da questo caos dovremo uscire con soluzioni nuove e creative.

Stai anche lavorando a nuovi progetti discografici?
Sì, ne ho tre in lavorazione. Il primo, che già parzialmente ho iniziato a riprodurre dal vivo, è un omaggio al ponte di amicizia musicale tra Brasile e Italia, dagli anni 50 a oggi: da “La banda” di Mina, che era un pezzo di Chico Buarque de Hollanda, a “Canzone per te” di Roberto Carlos e Sergio Endrigo, fino ai giorni d’oggi con anche canzoni originali. Quindi si tratterà di reintepretare brani che sono stati grandi successi sia in Italia sia in Brasile. Il produttore è il leggendario Nelson Motta, che è anche giornalista e grande appassionato dell’Italia, parla perfettamente la nostra lingua e conosce in profondità la nostra musica. È l’uomo che ha tradotto “E poi che fa” di Pino Daniele in “Bem que se quis” – prima grande hit di Marisa Monte – e che negli anni 90 ha preso una canzone italiana del 1947, “Veleno” di Polacci, e ne ha fatto un grandissimo successo per un’altra interprete brasiliana, Marina Lima (“Veneno”). Sarà un piccolo songbook sull’amore tra Italia e Brasile, con il suggello di Motta che è un po’ un nuovo Sergio Bardotti.

Un amore, quello per il Brasile, che anche le cantanti italiane hanno manifestato spesso. Basti pensare anche solo a Ornella Vanoni…
Certo, “L’appuntamento”, ad esempio, era un pezzo di Roberto ed Erasmo Carlos, tradotto da Bruno Lauzi. Senza tralasciare Toquinho e Vinicius de Moraes che sono stati degli assidui frequentatori dell’Italia. Senza tralasciare Chico Buarque, che fece un disco con Ennio Morricone dove ai cori c’erano Loredana Bertè e Mia Martini.

E senza tralasciare neanche te, che hai collaborato con Chico Buarque in “Io che amo solo te”…
Certo. E anche con Gilberto Gil in “Io che non vivo senza te”, sempre sul mio album “Canzoni”.

Sì, sembri in effetti l’ambasciatrice perfetta per la missione. E gli altri due progetti discografici?
Farò un disco insieme a Marc Collin dei Nouvelle Vague, che ha già prodotto il mio “Eclipse”. Sarà una raccolta di chanson francesi con sonorità sempre un po’ eccentriche e d’impronta live: è già in fase di missaggio e quindi uscirà presto, forse prima degli altri due. Ma non posso anticipare altro.
Il terzo album, invece, tutto prodotto da me, è il coronamento di un lavoro iniziato un anno e mezzo fa in studio in Italia e poi portato in giro per il mondo. Un disco che ha fondamentalmente solo tre partecipanti: io, Yuka Honda (ex-Cibo Matto), musicista elettronica giapponese, e Jim Campilongo, uno straordinario chitarrista country-jazz-rock di New York. Pensa che la Fender ha fatto un modello di chitarra solo per lui…
Sarà un disco sperimentale con scelte molto ardite, in bilico tra elettronica e melodia. Volevo creare un mix tra il mio mondo “tropicalista al contrario”, che toglie ogni confine alla musica di matrice anche italiana, aprendola ad altri linguaggi, e i diversi approcci di questi due grandi musicisti di stanza a New York. L’album includerà anche la colonna sonora che ho scritto per la serie Rai “Illuminate”, su quattro grandi donne italiane del Novecento, ma in una versione remixata. Insomma, è una chicca, che vorrei anche far uscire in modalità particolari, magari tiratura limitata o in vinile.

Sarà un disco di inediti?
Per metà. Ce ne saranno quattro, mentre gli altri quattro brani saranno cover.

Insomma, farai quasi il giro del mondo in tre dischi… Possiamo quindi mantenere la definizione “internazional-popolare”?
Eh sì, ormai è la mia missione, no? Ed è una soddisfazione vedere che c’è sempre una risposta sempre più ampia e fedele da parte del pubblico, ora anche in Italia.

Attualmente ti senti più interprete o autrice?
Devo confessare che ultimamente faccio fatica a lasciare a casa la parte di sola interprete di brani altrui. Dopo “Canzoni”, che era il mio primo omaggio alla musica italiana, è difficile concentrarmi soltanto sullo scrivere, perché la Chiara cantante si innamora molto spesso di pezzi altrui e finisce col prevalere sull’autrice.

Burt Bacharach scrisse per te “Trouble”. Lo senti ancora?
Sì, ci sentiamo ancora, siamo rimasti in contatto. Lui ha sempre un’energia incredibile, è un esempio per tutti.

Allora buon soggiorno in Brasile, sperando che quello forzato finisca presto e che tu possa tornare a esibirti in Italia.
Grazie, un saluto anche alla redazione di OndaRock, siete sempre una preziosa fonte di suggerimenti!

(17/03/2020)

Chiara, che disco è “Eclipse“? Si può definire una sintesi di tutte le tue esperienze precedenti?
In un certo sì, è un disco che riassume tutte le mie passioni e la mia vita di girovaga: l’America, il jazz, la bossa nova, il pop, le colonne sonore degli anni 60-70. Il precedente “Canzoni” era nato dall’esigenza di omaggiare i classici italiani dopo tanto peregrinare in giro per il mondo. Qui ho cercato di avvicinarmi ancora di più al mio paese, cercando le voci più originali della scena di oggi: Francesco Bianconi (Baustelle), Cristina Donà, Dimartino, Diego Mancino, Diana Tejera… Con loro ho cercato una sintesi tra tutte le anime della mia musica.

Il tutto, però, rielaborato in veste elettronica dalla produzione di Marc Collin. Come l’hai conosciuto?
Sì, ed è la prima volta che mi cimento con suoni elettronici. Ho conosciuto Marc a Parigi nell’estate del 2015, quando aprivo il concerto di Gilberto Gil e Caetano Veloso, ed è stato amore a prima vista. Dopo aver ascoltato le mie nuove canzoni, Marc mi ha proposto una lettura nuova, che preservava il mio stile ma lo accostava a suoni elettronici. Così non me lo sono fatta ripetere due volte: sono partita per Parigi, ho preso una casa a Marais e ci siamo subito immersi in un magico mondo di organi elettrici anni 70, synth e drum machine.

Nel disco si respira in effetti un clima molto vintage. O meglio “retrofuturista”.
L’idea è proprio quella. Collin è riuscito a modernizzare canzoni dalla struttura molto classica, con un gusto che è insieme postmoderno e vintage. Gli organi elettrici danno quel tocco retrò che riporta indietro alle colonne sonore degli anni 60-70, ma ci sono anche suoni più moderni, tipicamente sintetici, dalla batteria elettronica stile-Grace Jones al basso-synth.

Il risultato è molto raffinato. Forse anche troppo per le classifiche italiane?
Non credo, anche “Canzoni”, che era sempre un disco molto raffinato, ma più suonato, più jazz, si è piazzato sempre bene. Del resto, per me l’importante è continuare a fare cose di qualità: non vorrei mai diventare una di quelle cantanti che cambiano qualche virgola solo per fare audience. Ogni volta che scrivo non penso mai a fare il singolone, ma qualcosa di forte per me e in cui il pubblico si possa identificare.

Senti di aver superato il paradosso di essere una delle poche nostre cantanti di livello internazionale conosciuta però più all’estero che in patria?
Sì, in questi anni ho cercato di riavvicinarmi alla nostra musica, ma il mio scopo resta quello di espandere i confini della canzone italiana, anche a costo di diventare impopolare. Per fortuna, comunque, non è così: vedo feedback positivi, giro i teatri e c’è una crescita costante del mio pubblico. Sono anche convinta che fare un lavoro inequivocabilmente fuori dai trend, che non ammicca alle mode, possa pagare, se alla fine porta a dischi fatti con l’anima come “Eclipse”. In ogni caso, ho scelto una vita di musica internazionale, di concerti all’estero, di collaborazioni, cose che ti fanno sentire viva nel mondo, non solo nel mio paese.

Su “Eclipse” ci sono molte cover ispirate dal cinema. Qual è il tuo rapporto con il grande schermo?
“Eclipse” ha realizzato il mio desiderio di fare un album “visuale”, pittorico, di “canzoni cinematiche”, canzoni in pellicola. Sono una grande appassionata di cinema, anche contemporaneo. Ma per mantenerci fedeli alle sonorità scelte con Marc, abbiamo puntato sui decenni 60 e 70, in cui la musica italiana ha raggiunto uno dei suoi picchi più alti, grazie a una generazione di artisti straordinari e a un sincretismo pazzesco: classica, jazz, bossa nova, funk… Quei compositori non si ponevano il problema di andare ad attingere a una musica che non era necessariamente endemica italiana, però riuscivano a interiorizzarla, a farla diventare immediatamente “nostra”, mettendola al servizio delle immagini del cinema italiano e aggiungendo nostre strumentazioni, come gli organici elettrici di cui si parlava. Poi mi piaceva l’idea degli incontri tra musicisti, attori e registi, per questo ho scelto “Eclisse Twist”, scritta da Michelangelo Antonioni con Giovanni Fusco, o “Quello che conta”, composta da Ennio Morricone con il regista Luciano Salce per il film “La cuccagna”, e “Amore, amore, amore”, firmata da Piero Piccioni insieme ad Alberto Sordi. E anche “Parole parole” è stata composta da un maestro delle colonne sonore come Gianni Ferrio.

Manca oggi, al cinema italiano, il contributo di quei compositori?
Sì, ma è stata una stagione irripetibile… Compositori di una cultura folle, ma perfettamente dentro la mischia della musica suonata. Non era solo una semplice partitura orchestrale, era l’idea di mettersi a suonare e creare dei groove, delle atmosfere, fissando quegli attimi in canzoni.

A proposito di retrofuturismo, mi viene in mente anche solo il nome di Piero Umiliani.
Un gigante. Spesso vado a fare delle ricerche su YouTube e mi riascolto gli incontri tra Umiliani e Helen Merrill: era magia pura. Il jazz e la musica brasiliana sono le grandi matrici della mia musica perché sono musiche sincretiche, tra l’Africa e la musica occidentale più classica: samba e bossa nova sono un po’ l’unione di Africa e Villalobos. Ma il sincretismo si avverte tantissimo anche in quelle colonne sonore, dove c’era il coraggio di mischiare gli stili più disparati.

E il risultato spesso era… pop!
Esatto, in quel periodo nacquero tante melodie memorabili. Se in Italia il pop oggi tende a essere molto omologato, nella nostra storia ci portiamo un pop che è invece molto raffinato e che è quello che mi interessa di più. Penso ad artisti che fanno crossover: Tony Bennett, Norah Jones, Diana Krall, Melody Gardot… anche quello è pop, ma su un altro livello.

Non poteva mancare, poi, il tuo amato Brasile, in cui peraltro resti popolarissima: con la precedente intervista abbiamo avuto tantissimi like e commenti da quelle parti.
Sì, con il Brasile è stato un colpo di fulmine fin da ragazzina, quando a Boston frequentavo il Berklee College of Music, una scuola che mi aveva dato una borsa di studio. E continuo ad avere un legame speciale con quel paese. Su “Eclipse” ci sono in particolare due brani registrati a Rio. “Sambarilove” è nata dalla collaborazione con Rubinho Jacobina, un musicista geniale che avevo conosciuto con l’Orchestra Imperial, alla Festa degli Innamorati, che in Brasile è il 12 giugno: è una canzone che vuole un po’ essere un’onomatopea storta di “Somebody To Love”, e gioca anche con la parola “Bari”, la città dove ho fatto parte del disco; abbiamo preso questo ritmo ballereccio, il sambalanco, tipico di una certa epoca, un po’ geghegè, e Marc l’ha stravolto con la sua ironia, mettendoci batteria elettronica, bassi synth e le percussioni vere di Mauro Refosco. Invece “Um Dia” è una specie di trasposizione disco di Sergio Mendes, firmata insieme a Pedro Sà, un ottimo chitarrista che ha lavorato con Caetano Veloso e con l’Orchestra Imperial: io e Pedro siamo entrambi dei Gemelli e allora abbiamo scherzato sulle contraddizioni del nostro segno zodiacale: “Un giorno vuoi fuggire di casa, un giorno dici che tutto cambierà, un giorno che tutto tornerà”…

Porterai il disco in tour?
Sì, dai primi di maggio. Partirò da Roma, il 4 maggio all’Auditorium, poi sarò il 5 a Napoli (San Giovanni Maggiore), il 10 a Bari (Teatro Palazzo) e il 12 a Milano (Unicredit Pavilion). Il tour proseguirà anche in estate, poi andrò in Brasile a fare quattro-cinque concerti e faremo uscire il disco anche in Francia.

Senti ancora Burt Bacharach? Che cosa ti ha lasciato l’incontro con lui?
Sì, ci sentiamo ancora, gli mando sempre le cose che faccio e lui inserisce spesso “Trouble” nelle sue compilation. Bacharach rimane in tutto ciò che scrivo, l’esperienza con lui me la porterò dentro per sempre. Mi ha insegnato soprattutto come gestire la composizione, come sparigliare, cercando sempre, anche nelle canzoni più strutturate, quel vento, quelle correnti d’aria in grado di movimentarle, magari solo togliendo una battuta, aggiungendo un accordo o un beat. Insomma, è l’idea di non omologarsi mai e di estendere i confini delle canzoni attraverso l’associazione di elementi diversi e imprevedibili.

Tornerai a Sanremo o ritieni quell’esperienza una pagina chiusa nella tua carriera?
Non ci penso. Sono molto concentrata sul presente e se guardo al futuro, sogno altre cose, ad esempio di attingere a tanti altri suoni del mondo che mi incuriosiscono. Però, chi lo sa, un giorno potrei tornarci.

Hai duettato con tanti interpreti meravigliosi, da Al Jarreau a Gilberto Gil e Chico Buarque. Con chi ti piacerebbe cantare in futuro?
In questo disco ho preferito fare “duetti compositivi”, però mi intriga sempre l’idea di due voci che si uniscono. Mi piacciono, ad esempio, interpreti femminili come Concha Buika e Hindi Zahra. Ma il sogno sarebbe Paolo Conte.

In effetti, un duetto con Conte sarebbe il massimo. Glielo proporrai?
Grazie, ma no, non me la sento…

(14/04/2017 – Versione estesa di un’intervista pubblicata su “Leggo”)

C’è una cantante italiana che ha già scritto canzoni con Burt Bacharach e duettato con giganti come Chico Buarque, Gilberto Gil e Al Jarreau. Ha la metà degli anni di Ornella Vanoni e non è Fiorella Mannoia… Si chiama Chiara Civello, romana di nascita ma cosmopolita di fatto, con un filo rosso di 7.752 chilometri a separare le sue città del cuore: New York, dove ha vissuto a lungo, e Rio de Janeiro, ormai sua patria d’adozione. Ora, però, ha voglia di mettere alla prova la sua voce di velluto con le “Canzoni” italiane.

Chiara, come mai un album di cover italiane?
“Canzoni” è un disco nato da un mio bisogno personale. Dopo quattro album da cantautrice, sentivo l’esigenza di riversare tutto il mondo che ho vissuto in questi anni, tra New York e Brasile, in un tributo alla canzone italiana. È il mio primo disco da interprete, con influenze stilistiche che spaziano dal jazz al soul alla bossa nova, che sono un po’ i mondi che ho vissuto in questi anni.

Un disco pieno di collaborazioni, che vede la partecipazione di ospiti internazionali come Gilberto Gil, Chico Buarque, Esperanza Spalding e Ana Carolina, mentre le architetture sonore sono state arrangiate da Eumir Deodato e suonate dall’Orchestra Sinfonica di Praga…
Sì, volevo proprio sancire questo discorso del tributo all’Italia attraverso le collaborazioni internazionali. Il produttore è Nicola Conte, che è un musicista e un dj che rispetto molto, un vero esteta. E con lui abbiamo ideato questa antologia italiana che spazia da Umbero Bindi a Vasco Rossi… Non volevamo che fosse una operazione nostalgica, ma solo un tributo sotto un ombrello stilistico di coerenza, che flirta un po’ con tutti questi stili.

In effetti c’era il rischio di produrre un calderone un po’ confuso. Invece tutto è tenuto insieme da questo denominatore comune dello stile…
Sì, perché poi volevamo essere anche molto vari, unendo artisti di oggi e di ieri, si va da Vasco Rossi a Vinicio Capossela, da Paolo Conte ai Subsonica, da Sergio Endrigo a Pino Donaggio. C’è persino una canzone di Rita Pavone, che fu arrangiata da Bacalov su testo di Lina Wertmuller (“Fortissimo”). E abbiamo voluto anche fare un piccolo omaggio al cinema, inserendo “Metti una sera a cena”, una canzone meravigliosa di Ennio Morricone, tratta dal film di Giuseppe Patroni Griffi.

Come nasce, invece, la tua grande passione per il Brasile?
È stato un colpo di fulmine. A diciotto anni mi sono trasferita in America per fare il Berklee College of Music, una scuola che mi aveva dato una borsa di studio. Così ho conosciuto tanti musicisti di vari paesi, tra cui alcuni brasiliani che mi hanno introdotto al mondo di Antonio Carlos Jobim, il re della bossa nova, Caetano Veloso, Milton Nascimento, il tropicalismo. Ed è stato un colpo di fulmine violento, perché la musica brasiliana sa unire in modo sublime ritmo, melodia, armonia.

Al di là della disfatta sportiva, il Mondiale in Brasile, tutto sommato, è stato ben gestito. Come vedi questo paese, dove hai anche lavorato a lungo?
La situazione non è semplice in Brasile, ci sono ancora tante contraddizioni. Ma il Mondiale è stata una meritata opportunità per un paese che ha fatto passi da gigante, dimostrando grandi risorse e capacità di progresso. Spero che possa farne tesoro.

New York, invece, cosa ti ha lasciato? Oltre ai 7.752 chilometri che la separano da Rio de Janeiro (ridiamo)
Sì, quello dei 7.752 chilometri era un disco nato proprio dalla voglia di unire le mie due città del cuore… In realtà New York mi ha lasciato tante cose, non solo dal punto di vista musicale, ed è una città con cui cerco di convivere ancora. Vivere lì per me è stata un’esperienza fondamentale.

Forse pochi sanno che all’estero hai una reputazione straordinaria. Cito solo un mostro sacro americano come Tony Bennett, che ti ha definito “la miglior cantante jazz della sua generazione”… In Italia, invece, sembra tutto più difficile. Come vivi questo contrasto, ti senti incompresa?
La vedo solo come una questione di tempo. Il tempo cho ho speso fuori dall’Italia e ho dedicato a Brasile e Stati Uniti è stato superiore a quello che ho dedicato all’Italia. Sono partita giovanissima senza avere altro che tanti sogni. È iniziato il mio percorso musicale lì, e paradossalmente sono stata presentata agli italiani dagli americani. Però adesso che ho un po’ più tempo per stare qui, voglio farlo bene, anche tramite quest’ultimo disco.
E qual è la musica italiana che preferisci?
Noi siamo i sovrani del senso melodico, anche nella tradizione più classica, basti pensare all’opera, alle arie… La musica italiana che ascolto è legata soprattutto alla melodia, ma non mi pongo limiti, ascolto un po’ di tutto, canzoni di oggi e di ieri.

Sempre a proposito di canzone italiana, nel 2012 sei stata a Sanremo nella categoria Big con il brano “Al posto del mondo”. Com’è stata quell’esperienza? Ti piacerebbe ripeterla?
È stata un’esperienza molto intensa, soprattutto la scalinata da scendere… (ridiamo) forse quella è stata la cosa più impegnativa, la vera sfida! Comunque non ci sto pensando, a un mio ritorno lì, ma non lo escludo. A me piace fare molte esperienze e non mi precludo nulla… si impara sempre qualcosa.

Hai in programma un tour?
Sì, a luglio sarò in giro per l’Italia, ma farò concerti anche nei mesi di agosto e settembre. Le date sono tutte sulla mia pagina Facebook.

Pochi sanno anche che hai scritto una canzone con una leggenda come Burt Bacharach. Com’è nato quell’incontro, che poi ha fruttato un brano per il tuo disco d’esordio?
È nato grazie a Russ Titelman, il produttore del mio primo disco (“Last Quarter Moon”, ndr). Lui è piuttosto famoso in America perché ha prodotto Randy Newman, Chaka Khan, George Benson, James Taylor, Paul Simon… E lui ebbe l’intuizione di farmi fare una collaborazione importante, pensava che avessi bisogno del battesimo di qualcuno che potesse darmi una consacrazione…

E chi meglio di Bacharach…
Eh già! Russ gli fece ascoltare la mia prima canzone e Bacharach accettò subito. Quindi io e lui siamo andati a Santa Monica, dove siamo stati tre giorni: lavoravamo dalle 14 alle 17.20 spaccate, Bacharach aveva già una certa età, oltre a molte altre cose da fare… E così abbiamo scritto una canzone, “Trouble”, alla quale sono molto legata: ogni volta che scrivo penso un po’ a Bacharach.

Hai mai pensato di fare un disco interpretando proprio le canzoni di Bacharach? La tua voce sembrerebbe piuttosto adatta…
Sì, c’ho pensato, ma il problema è che l’hanno fatto in tanti e con delle voci spettacolari. È difficile competere con Dionne Warwick, per dire… Poi lui già si auto-arrangia con questo suono che flirta con il soul e la bossa nova, quindi un conto è fare un disco come “Canzoni”, in cui quasi non si riconoscono i brani rispetto alle versioni originali, un altro è tentare di imitare uno stile che è già molto vicino al mio. Si potrebbe provare a fare unplugged, con la chitarra… ma non ne sono molto convinta.

Un altro artista straordinario che è stato al tuo fianco è Chico Buarque, presente anche in “Canzoni”, in uno splendido duetto su “Io che amo solo te”. Che cosa rappresenta per te?
È un poeta, una persona di una cultura incredibile, che riversa anche nei libri che scrive, oltre alle canzoni. Una persona vitale, molto importante per il Brasile. Scrive testi meravigliosi e ha anche molto a che vedere con l’Italia. Ha vissuto qui, parla bene l’italiano ed è stato molto vicino a Sergio Bardotti. Conosceva anche Sergio Endrigo, un altro grande cantautore italiano. Cantare con Chico è stata un’emozione unica, qualcosa di veramente toccante. Lui ha quel tocco di lieve fragilità, quel tremolio che è come se fosse lo specchio del suo animo sensibile. Ed è anche il modo di cantare che sento più vicino a me…

Quale modo di cantare non ti piace, invece?
Mah, in generale quello standard urlato che va tanto di moda oggi, con gli stessi riff uguali per tutti.

In Italia se ne abusa parecchio, in effetti.
Sì, cantano un po’ tutte così, ed è anche quello che si vede sempre nei talent show. Sembra che si possa cantare solo in quel modo…

A proposito, che ne pensi dei talent musicali?
Io non mi oppongo a un fenomeno che ha successo, dico solo che quel format è un invito alla pigrizia: all’ascoltatore entrano in casa persone che simulano una performance dal vivo, per questo si chiama anche “reality”. Però è un’illusione ottica, tu non sei seduto in sala con loro, non senti i rumori e i fruscii del momento, che fanno parte a tutti gli effetti di una esibizione dal vivo. E allo stesso modo per chi canta il talent non può essere l’unico trampolino. Se non hai un bagaglio di esperienze, come puoi riuscire a mantenere quel livello di contenuti? È pericoloso avere successo prima della conferma “epidermica” del pubblico, che puoi testare solo dal vivo. In altri paesi c’è una quotidianità diversa con la musica. Negli Usa trovi tremila locali con tremila band emergenti che suonano, tra jazz, rock e complessini vari, idem in Brasile dove trovi anche il tassista che possiede l’ultimo disco di samba di nicchia… Qui in Italia è più complicato.

Pensi quindi che per una cantante italiana emergente sia opportuno tentare l’esperienza che hai fatto tu: andare via, all’estero, in paesi musicalmente più ricettivi, e mettersi alla prova?
Dipende dal tipo di musica che le interessa. Se è più improntata verso il soul, la musica black o il jazz, ovviamente farsi un’esperienza dove questa musica è nata è fondamentale. Un po’ come per un attore che deve avvicinarsi a una parte: serve una conoscenza diretta. La cosa dell’Italia che trovo pesante e controproducente è questo sistema burocratico e anti-democratico che, invece di fluidificare le idee, le blocca, imponendo tutta una serie di passaggi obbligati che frenano la creatività. In Nordamerica è diverso: fai e realizzi. Senza troppe complicazioni.

Ora ti sei trasferita stabilmente in Italia o ti dividi ancora con gli Usa e il Brasile?
Io mi divido sempre… adesso resterò un po’ per promuovere il disco, ma poi continuerò a muovermi tra Italia, Stati Uniti e Brasile.

(27/07/2014 – Versione estesa di un’intervista pubblicata su “Leggo”)